El Privilegio de Ser Amateur

Festival Universitario de Danza Contemporánea: 15 años celebrando nuestra forma de movernos

2011-10-31T17:46:00.000-07:00

En su versión número 15 el Festival Universitario de Danza Contemporánea se mostró como el más maduro y atrevido de los de su clase. Con una programación que incluyó desde talleres a muestras de artistas internacionales con interesantes visiones acerca del cuerpo y el movimiento, esta celebración cerró un importante ciclo en su trayectoria. Un venia que, desde la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, se rinde al público; principal protagonista de esta celebración.

Dos bailarines vestidos como princesas se preparan para bailar un vals. Comienzan en silencio a navegar por entre el público presente en el Aula Máxima de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, hasta que empieza a sonar esa melodía de Chayanne, conocida como tiempo de vals. Pronto la audiencia se ve sometida por la invitación de los artistas y medio salón empieza a bailar. Esta fue sólo una parte del cierre de Asunto Público 15 Festival Universitario de danza, en el que 15 coreógrafos realizaron gestos cortos con el público.

Una epidemia de bostezos se apoderó de los asistentes cuando 4 chicas, miembros del grupo de Danza Contemporánea de Psicología de la Universidad Javeriana, armaron un concierto de largos bostezos. Pero ellas no fueron las únicas participantes: octubre finalizó con las actividades propias del Festival Universitario de Danza Contemporánea, desde el 24 al 28 de octubre, contando con la presencia de grupos, artistas y teóricos pertenecientes a más de 30 universidades de la ciudad, y 25 del país, quienes hicieron visibles sus procesos de creación, integrando sus disciplinas a la construcción de nuevos conceptos de danza. ASAB – Maldita Danza, Universidad Central, Universidad Antonio Nariño, CENDA, CECAR, Fotostica, Politécnico Internacional, Universidad Distrital, Academia de Artes Guerrero, Creato Danza, Kuisa Danza, Contexto Danza, Universidad Autónoma de Occidente, Universidad de los Andes, Universidad Nacional, Universidad Externado de Colombia, Politécnico Grancolombiano y Universidad del Rosario, fueron algunas de las universidades, instituciones y grupos que se unieron para darle vida a la danza en 2011. La idea de exaltar la importancia del público dentro de los 15 años del festival y en especial en esta versión, se vio reflejada en los actos del cierre, que viajaron desde coreografías con ritmos ejecutados con partes del cuerpo de los asistentes hasta juegos de sombras en medio de la silletería del auditorio. La posibilidad de hacer parte de una pieza e interactuar con de manera activa con los artistas, generó una reacción positiva además de lanzar un importante cuestionamiento acerca del accionar en el escenario.

Revisitando el festival

En 2010 el Festival Universitario de Danza Contemporánea se atrevió, como el más arriesgado de su clase, a presentar tres fragmentos en los que se incluyeron no sólo las propuestas y procesos de formación de estudiantes y aficionados sino también obras de talla internacional que buscaban alimentar nuestro concepto danza. La posibilidad de extenderse a lo largo del año ha hecho del Festival un evento único, mezclando matices que van desde lo académico a lo experimental. En su casa, la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, se realizó el lanzamiento de las actividades para 2011, con la participación 15 artistas de la danza, quienes recordaron el trabajo de aquellos coreógrafos que construyeron las bases para la creación del Festival, el más antiguo de su tipo en Latinoamérica. No fue capricho entonces que el lanzamiento se realizara el pasado 29 de abril, en el marco de la celebración del Día Internacional de la Danza; como una manera de asomarse al trabajo actual y revisitar los aportes hechos hasta hoy por los bailarines colombianos. Inspirados en lo más célebre de su trabajo, jóvenes coreógrafos revisitaron a Jacinto Jaramillo, Delia Zapata, Ana Consuelo Gómez y Jaime Díaz, Peter Palacio, Rafael Palacios, INCOLBALLET, Álvaro Restrepo, Elsa Valbuena, Sonia Osorio, Tito Montes, Carlos Franco, Carlos Jaramillo, Cuca Taburelli, Plutarco Pardo Santamaría y Carlos Latorre. Estas “versiones libres” permitieron rendir un tributo además de dar un nuevo significado al aporte realizado por el grupo de homenajeados. 15 minutos, sobre el escenario del Aula Máxima de la UJTL, que cada bailarín aprovechó para hacer una venia a la experiencia y dedicación.
En su versión 15 el Festival celebra pero también se rebela. La quinceañera se siente más que mujercita y en su calidad de l’enfant terrible continúa apartándose de los lugares comunes. Extendiéndose durante los meses de agosto, septiembre y octubre nuestro Asunto Público 15 Festival Universitario de Danza Contemporánea se diversifica entre talleres, residencias artísticas, charlas y muestras y se instala en tres ciudades: Cali, Barranquilla y Bogotá, para seguir reflexionando acerca de la danza como un asunto de urgencia a consolidar en la construcción participativa, inclusiva y experiencial de comunidad; sobre la importancia de la construcción de lo público en el encuentro que tiene lugar durante la experiencia escénica, y el rol de las audiencias y su importante lugar en la relación con la obra de arte. Siguiendo la ruta de la independencia y la vanguardia, el Festival integra la obra de artistas nacionales e internacionales con interesantes cuestionamientos acerca del cuerpo, el movimiento, las interacciones y los procesos de creación coreográfica.

Muestra de ello fue la participación, el pasado mes de agosto, de la dupla constituida por François Chaignaud (Francia) y Marie-Caroline Hominal (Francia-Suiza), quienes presentaron Duchesses (Duquesas), una pieza en la que el juego del hula-hula se transforma una coreografía que subraya el cansancio, lo infinito y la exuberancia. Lo mágico de los más de 50 minutos de la obra tal vez radique en el sometimiento en el que cae el espectador: incapaz de separar su mirada, examinando cada detalle de la figura de los bailarines y al borde, siempre al borde, de la conmoción. Lo sorprendente de las capacidades físicas de las duquesas para mantener sus aros girando y la propia desnudez de los bailarines se pierden en medio de un ritual evocador, etéreo, envuelto en luz blanca. La transformación es un tema permanente en Duchesses y se experimenta a través de todo el trabajo de Chaignaud y Hominal. Ambos admiten que su obra fue concebida como una pieza para realizar desnudos; como perfecto vestuario para que el espectador sea testigo de los cambios y estaciones que atraviesan sus cuerpos. “Estaba claro, desde el principio, que no habría ningún tipo de vestuario, no pudimos pensar en ningún tipo de vestuario y con la desnudez se podría ver cada músculo y al cuerpo cambiando a través de la pieza”, explica Hominal. Incluso, algunos de los asistentes se sonrojan al admitir su concentración en puntos específicos de las anatomías de las duquesas: ya sea en los genitales, el abdomen que se tornea con movimientos sutiles o los pliegues de piel convertidos en ondas por el roce del hula-hula.

Duchesses se presentó en Cali, en la Pontificia Universidad Javeriana, y en Bogotá, en el Teatro Faenza y La Factoría L’Explose.

Durante su estadía en Bogotá, Chaignaud y Hominal lideraron la residencia artística Identidades Infinitas; un proceso creativo en el que 14 artistas colombianos se acercaron a las identidades queer y trans como generadoras de nuevos materiales artísticos.
“Cuando nos pidieron hacer el taller, relacionado con la transformación, sugerimos este nombre. Al principio habíamos pensado en Identidades Queer pero no queríamos transmitir esa idea ya que es un poco reducida”, indica Chaignaud, y Hominal agrega: “El nombre que le dimos es más amplio, es precisamente infinito”.

El público, gran protagonista

Miguel Gutiérrez, uno de los participantes internacionales de este año, estuvo a cargo de Inefable Intangible Sensacional un taller en el que bailarines y actores trabajaron desde el movimiento, la improvisación y el des-aprendizaje de la danza buscan, usando su percepción, la manera más natural de moverse. Para Gutiérrez se trata de “sacar la danza de lo visual y demostrar que hay otras formas de percibirla y de presentarla”. Inefable Intangible Sensacional estuvo realizándose en Barranquilla y Bogotá, en la Universidad del Atlántico y La Casona de la Danza, respectivamente.

Gutiérrez presentó además Heavens What Have I Done: un monólogo incoherente sobre la ascensión al éxito de los artistas, las hipocresías de un mundo inestable, las críticas, los sueños y deseos de una naturaleza más personal. El artista es ganador del Bessie Award en Danza y Performance del 2010 en New York y para él su trabajo es un compuesto alimentado por varias disciplinas aparte de la danza. “Siempre considero que en mi trabajo viene del cuerpo y es una extensión de la danza, aunque sea texto o música”, explica.

Gutiérrez, nacido en Estados Unidos, de padres colombianos, tiene una relación muy íntima con el público, que lo lleva a vincularse con el tema central del Festival este año. Los espectadores y su forma de acercarse al arte y reflexionarlo, son guiados en la obra de Gutiérrez a través un acto de percepción y digestión en conjunto. “A veces puede tratarse de un entrenamiento para el público, no porque el público no sea inteligente, sino precisamente porque lo es. Se trata de estar aprendiendo cómo sentir y cómo percibir”, comenta. Las reacciones positivas o adversas del público, sin embargo, son para él también una escuela en la que aprende a lidiar con sus propios demonios. “Yo creo que una reacción del público que no me gusta es cuando la gente te mira y te dice: Bueno, muéstranos qué es lo que puedes hacer. Cuando hay como una expectativa. Pero puede ser también una visión mía, al estar en batalla con mi propia historia, mi neurosis y mis miedos”, confiesa Gútierrez. “Yo también estoy practicando un ejercicio de percepción del público que tengo que mejorar y que tiene que ver con lo que estoy haciendo, la forma en la que lo hago pero no necesariamente para manipularlo y agradarle a las personas, sino para estar en diálogo en tiempo real con mi trabajo”.

15 años de aprendizaje

Los últimos 15 años han servido para que el Festival Universitario de Danza Contemporánea madure y se consolide como una plataforma para el fortalecimiento del arte danzario del país, siendo un espacio de promoción de los procesos artísticos, que desde la danza contemporánea se desarrollan en universidades e instituciones académicas. Estudiantes, provenientes de distintas áreas del conocimiento, que le han apostado a una experiencia en “movimiento”, contando con el apoyo de bienestares universitarios y colaborando en la construcción de nuevos y ágiles discursos de danza en Colombia y Latinoamérica. Esta versión incluye residencias artísticas que buscan el intercambio de experiencias y el descubrimiento de otras formas de moverse. Isabelle Schad (Alemania), Laurent Goldring (Francia), Alito Alessi (EE.UU.) y Carol Swann (EE.UU.) integrarán procesos de aprendizaje que incluyen a jóvenes, adultos mayores y personas con discapacidad.

En adición, los días 18, 19 y 20 de octubre se llevó a cabo en Bogotá el Simposio “SYMpoSOM(AE)tica” una práctica somática y estética de lo experiencial, participativo e inclusivo en procesos pedagógicos y artísticos.

Es así como el Festival Universitario de Danza Contemporánea siguió, este año bajo la temática de “Asunto Público”, reiterando su interés por la generación de nuevos cuestionamientos y discusiones frente a la danza. Su base conceptual gira en torno a tres ejes de reflexión. En primer lugar, la danza como un asunto de urgencia; en segundo lugar, la importancia de la construcción de lo público en el encuentro que tiene lugar en la experiencia escénica y en último lugar, el tópico de las audiencias, como la relación entre obra de arte, espectadores y artistas. Contando con el apoyo de la Universidad Central, el Instituto Distrital de las Artes, la organización eltiempoelespacioelespectador(a), la Alianza Francesa, Prohelvetia, Fundación Móvil, Urdimbre y el Ministerio de Cultura, entre otro gran número de instituciones que se unen a la celebración de nuestra forma de movernos.

Fotografía y textos: Javier Galeano

Duchesses: El juego de la transformación

2011-09-01T09:14:00.000-07:00

Una capa tras otra se superponen hasta lograr la sensación de movimiento. Esos 24 cuadros por segundo que corren, uno tras otro, hasta lograr el efecto de acción continua que nuestro ojo transformará en lo que desee: un sentimiento, una idea o la simple indiferencia que lleva al tedio. A veces esa imagen puede ser lo de menos y en últimas, terminemos yendo al cine a vernos a nosotros mismos, a encontrarnos con reflejos, desdibujados, atractivos y atemorizantes que nos saquen del aburrimiento. Las tardes bogotanas de los 80’s y 90’s eran tan aburridas como las tardes de nuestros días pero por entonces estaban los mágicos, ya decadentes, teatros. El Faenza, esa figura imponente del art noveau, se mostraba como refugio para quienes querían escapar de las tardes capitalinas y explorar y perderse y encontrarse y marcharse. Durante 20 años este coloso de principios del siglo XX fue el lugar de encuentro de estudiantes, desempleados, jubilados, padres de familia y cualquier otro hombre de bien que necesitara darse otro aire. Las imágenes alguna vez expuestas por Miguel Ángel Rojas dan fe: siluetas masculinas que se buscan entre el parpadeo veloz del proyector.

Esa exploración del cuerpo, propiciada hace ya más de 30 años en el Faenza, tocó a François Chaignaud (Francia) y a Marie-Caroline Hominal (Francia-Suiza). Ellos acababan de presentar su obra Duchesses (Duquesas), en un Faenza a medio restaurar, e ignoraban que antes de exponer sus cuerpos frente a una audiencia de más de 200 personas, ya en este espacio se daba el encuentro con lo tabú. Los ojos de los asistentes a Asunto Público 15 Festival Universitario de Danza Contemporánea se encontraron con un par de cuerpos desnudos que jugaban al hula-hula. Lo mágico de los más de 50 minutos de esta pieza tal vez radique en el sometimiento en el que cae el espectador: incapaz de separar su mirada, examinando cada detalle de la figura de los bailarines y al borde, siempre al borde, de la conmoción. Lo sorprendente de las capacidades físicas de las duquesas para mantener sus aros girando y la propia desnudez se pierden en medio de un ritual evocador, etéreo, envuelto en luz blanca. Para Chaignaud y Hominal la coincidencia resulta maravillosa.

“El hecho de saber después que había sido un cine porno lo hizo mucho mejor. Me encantó el espacio y el hecho de que esté en camino de renovación. Me gusta que haya sido un cine porno y que, como alguien dijo, nuestra obra sea una continuación de la exploración del cuerpo”, dice Hominal y agrega Chaignaud: “Nuestro trabajo como bailarines no es muy diferente al de las prostitutas, stripers y los actores porno, hay algo similar en la forma de usar el cuerpo como una herramienta y como un lugar de conocimiento y de placer”.

Ese lugar exacto entre lo bello y lo grotesco, el espejismo y la cruda realidad, revive en los cuerpos de las duquesas Chaignaud y Hominal en medio de las ruinas del Faenza. Las miradas atentas de los espectadores son las de hombres anónimos que miraron y hurgaron y exploraron y volvieron a las calles siendo otros. Un conjunto de imágenes primitivas y cinemáticas que habitan en el ojo del espectador, según los artistas. “Somos conscientes de todas estas imágenes pero no las hacemos intencionalmente aparecer”, afirma Hominal. Para ambos se parece más a un gran viaje por la historia del arte y del cuerpo humano que no lleva a ningún lado pero que los mantiene haciendo las ruedas de su vehículo girar. “Hay gente que ve imágenes religiosas, otros ven los movimientos de los planetas, varia”, concluye Chaignaud.

La eternidad que manifiesta Duchesses congela el tiempo para el espectador: todos en el Faenza permanecen inmóviles, escasamente pestañean y contemplan mientras se contemplan.

La transformación es un tema permanente en Duchesses y que se experimenta a través de todo el trabajo de Chaignaud y Hominal. Ambos admiten que su obra fue concebida como una pieza para realizar desnudos; como perfecto vestuario para que el espectador sea testigo de los cambios y estaciones que atraviesan sus cuerpos. “Estaba claro, desde el principio, que no habría ningún tipo de vestuario, no pudimos pensar en ningún tipo de vestuario y con la desnudez se podría ver cada músculo y al cuerpo cambiando a través de la pieza”, explica Hominal. Incluso, algunos de los asistentes se sonrojan al admitir su concentración en puntos específicos de las anatomías de las duquesas: ya sea en los genitales, el abdomen que se tornea con movimientos sutiles o los pliegues de piel convertidos en ondas por el roce del hula-hula. Otros advirtieron, durante el conversatorio realizado al final de la presentación, que podría tratarse de un trabajo ególatra, centrado en el cuerpo y la contemplación.

“No creo que sea una obra ególatra o egoísta, ya que damos mucho de nosotros y hay mucho esfuerzo. Para mí está más relacionada con un ritual de placer, como en la Grecia antigua, en donde hombres y mujeres ofrecían placer como forma de obtenerlo”, aclara Chaignaud.

Durante la charla, denominada Coreotopia, tanto espectadores como artistas, tienen la oportunidad de exponer sus visiones acerca de la obra e indagar sobre las intenciones y reflexiones de cada parte. Chaignaud y Hominal admiten que, aunque no esperan una reacción específica del público durante Duchesses, disfrutan del silencio que provoca en la audiencia y que los lleva a un estado de inigualable concentración. “Eso quiere decir que la gente está atrapada por la imagen y el movimiento”, confiesa Chaignaud. “Personalmente, no hago la pieza esperando una reacción específica. Si a alguien no le gusta, no me parece decepcionante sino interesante”, indica Hominal.

Para ambos, sin embargo, existen reacciones del público que pueden resultar decepcionantes o molestas: dejan en claro que Duchesses es una experiencia en vivo y que las fotografías o vídeos interfieren con esa naturaleza.

“Para mí es decepcionante también cuando la audiencia no entiende la propuesta y hay un centenar de formas de entenderla. Por ejemplo, en la función del Faenza, había tanta gente que me preocupaba no llegarle a todos, porque usualmente estamos más elevados en el escenario y lo hacemos para grupos más pequeños”, sostiene Chaignaud. Las referencias al fascismo y a la competencia también son recurrentes entre la audiencia. Los bailarines explican que los aros en los vestidos de las duquesas fueron la inspiración para el nombre de esta pieza y que más allá de ponerlos en rivalidad, los lleva a complementarse, viajar juntos y divertirse mientras juegan.

“No lo vemos como un retrato de la rivalidad, más como un viaje en el que vamos juntos. Es como una Road Movie, de algún modo”, opina Hominal.

“El hula-hula es un juego muy divertido y no queríamos perder eso. Es divertido ver a alguien haciendo hula-hula, es un poco como una broma. Incluso al final podríamos sonreír y decir: Es sólo una broma, aunque se vea muy serio”, puntualiza Chaignaud.

De lo queer a lo infinito

Una recepcionista obliga a todos a inscribirse, con cédula en mano, antes de entrar a la Casona de la Danza. Lleva rubor fuerte en los cachetes y luce orgullosa su bigote. Se enoja cada vez que alguien intenta desafiar su autoridad. Afuera, una dominatriz con acento portugués invita a todo el que pasa a reventar los globos negros que tiene por senos. Una maniática en patines, con sombrero de leopardo y mallas, amenaza con un cuchillo para luego dormirse a los pies de sus supuestas víctimas. Un joven deambula por el lugar y cada vez que alguien se le acerca emprende la huída.

Estas y otras identidades cobraron vida a través de los 14 asistentes al Taller Identidades Infinitas, realizado del 24 al 28 de agosto de 2011 en la Casona de la Danza. En este proceso de Aprendizaje y Creación, liderado por Francois Chaignaud y Marie-Caroline Hominal, los participantes viajaron al fondo de las identidades Queer en la búsqueda de la generación de nuevos materiales artísticos. Los movimientos, disfraces, sonidos y actitudes fueron mezclados para dar como resultado una muestra en la que fue fácil sentirse identificado, seducido o amenazado. Dentro de la dinámica de la actividad los integrantes del grupo –artistas involucrados con temática Queer- tuvieron que pasar de una identidad A a otra B, visitando cada uno de los estadios intermedios. Chaignaud y Hominal hablaron sobre el nombre y la idea de Identidades Infinitas como su residencia artística.

“Cuando nos pidieron hacer el taller, relacionado con la transformación, sugerimos este nombre. Al principio habíamos pensado en Identidades Queer pero no queríamos transmitir esa idea ya que es un poco reducida”, indica Chaignaud, y Hominal agrega: “El nombre que le dimos es más amplio, es precisamente infinito”.

Los pasillos de la Casona de la Danza son invadidos por personajes que celebran su identidad: "Mi identidad es falsa", "Mi identidad cuenta una historia", "Mi identidad no dice nada", "Mi identidad se calienta y se enfría", "Mi identidad es un arma". Chaignaud y Hominal relacionan el sinnúmero de identidades que nos habitan con su trabajo en Duchesses y el concepto de androginia.

“Creo que ambos estamos relacionados con lo andrógino, debido a que tenemos la misma estatura, el mismo color de cabello y me gusta el hecho de que haya un chico y una chica, algo masculino y algo femenino, pero que viaja también del uno al otro. Al ser una pareja desnuda podemos recordar a muchas parejas míticas como Adán y Eva y es interesante poner a pensar a la gente sobre estar parejas en la historia y preguntarse quién era el chico o la chica, realmente. No se trata tanto de un intercambio de roles sino que cada uno de nosotros es complejo en su naturaleza”, Chaignaud.

Texto y fotografía: Javier Galeano Pájaro

15 años de Danza en 15 minutos

2011-05-02T08:01:00.000-07:00

Jair Luna / Homenaje a Rafael Palacio

Jóvenes coreógrafos rindieron sus respetos a 15 precursores de la danza colombiana en nuestro lanzamiento. Jairo Lastre, Julián Alvarado, Raúl Parra, Natalia Orozco, Carlos Maria, Eduardo Ruíz, Carlos Latorre, Jair Luna, Soraya Vargas, Hernando Eljaiek, Verónica González, Ingrid Sierra y José Luís Tahua homenajearon a esos maestros que dieron el primer impulso para la creación del Festival Universitario de Danza Contemporánea.

Julián Alvarado / Homenaje a Incolballet

Inspirados en algunas de sus piezas, los coreógrafos revisitaron el trabajo de Jacinto Jaramillo, Delia Zapata, Ana Consuelo Gómez y Jaime Díaz, Peter Palacio, Rafael Palacios, INCOLBALLET, Álvaro Restrepo, Elsa Valbuena, Sonia Osorio, Tito Montes, Carlos Franco, Carlos Jaramillo, Cuca Taburelli, Plutarco Pardo Santamaría y Carlos Latorre. Estas “versiones libres” permitieron rendir un tributo además de dar un nuevo significado al aporte realizado por el grupo de homenajeados. 15 minutos, sobre el escenario del Aula Máxima de la UJTL, que cada bailarín aprovechó para hacer una venia a la experiencia y dedicación.

En 2011 el Festival llegará a las ciudades de Cali y Barranquilla, para los meses de Agosto y Septiembre, respectivamente.

Hernando Eljaiek / Homenaje a Carlos Franco

Carlos María / Homenaje a Sonia Osorio

Soraya Vargas / Homenaje a Carlos Latorre

Ana Ávila / Homenaje a Plutarco Pardo

15 años, 15 maestros, 15 propuestas

2011-04-18T14:22:00.000-07:00

15 años + 15 coreógrafos encargados de homenajear a los 15 precursores del Festival Universitario de Danza Contemporánea. Para nuestro lanzamiento, y con motivo del Día Internacional de la Danza, la nueva sangre coreográfica saltará al escenario, rindiendo tributo a algunos de los más importantes gestores de movimiento en Colombia.

Los artistas a homenajear serán Jacinto Jaramillo, Delia Zapata, Ana Consuelo Gómez y Jaime Díaz, Peter Palacio, Rafael Palacios, INCOLBALLET, Álvaro Restrepo, Elsa Valbuena, Sonia Osorio, Tito Montes, Carlos Franco, Carlos Jaramillo, Cuca Taburelli, Plutarco Pardo Santamaria y Carlos Latorre. Las propuestas coreográficas estarán a cargo de Jairo Lastre, Julián Alvarado, Raúl Parra, Atala Bernal, Natalia Orozco, Carlos Maria, Eduardo Ruíz, Carlos Latorre, Jair Luna, Soraya Vargas, Hernando Eljaiek, Verónica González, Ingrid Sierra, José Luís Tahua y Angela Bello

Recuerden: 28 de Abril en el Aula Máxima de la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, a partir de las 7:00 P.M.

15 años de danza: Un asunto público

2011-04-16T13:44:00.000-07:00

Una cándida quinceañera que sale por primera vez a la pista de baile, a ser presentada en sociedad, podría ser la historia del Festival Universitario de Danza Contemporánea. Pero no. Desde recién nacido este espacio no ha conocido la timidez o la reserva, sólo se ha mantenido en un movimiento silencioso pero enérgico que ha logrado consolidarse hasta el día de hoy.

En su versión 15 el Festival celebra pero también hace memoria. La quinceañera se siente más que mujercita y en su calidad de l’enfant terrible quiere que a su lanzamiento no falte nadie. 15 artistas de la danza se encargarán de recordar el trabajo de aquellos coreógrafos que construyeron las bases para su creación, en 1996. No es capricho que nuestro lanzamiento se realice en el marco de la celebración del Día Internacional de la Danza: es una manera de asomarse al trabajo actual y revisitar los aportes hechos hasta hoy por los bailarines colombianos, exponiendo la necesidad de creación de una memoria documental del arte coreográfico.

Los artistas a homenajear serán Jacinto Jaramillo, Delia Zapata, Ana Consuelo Gómez y Jaime Díaz, Peter Palacio, Rafael Palacios, INCOLBALLET, Álvaro Restrepo, Elsa Valbuena, Sonia Osorio, Tito Montes, Carlos Franco, Carlos Jaramillo, Cuca Taburelli, Katy Chamorro y Carlos Latorre. Las propuestas coreográficas estarán a cargo de Jairo Lastre, Julián Alvarado, Raúl Parra, Atala Bernal, Natalia Orozco, Carlos Maria, Eduardo Ruíz, Carlos Latorre, Jair Luna, Soraya Vargas, Hernando Eljaiek, Verónica González, Ingrid Sierra , José Luís Tahua y Angela Bello.

Son 15 años que han servido para consolidarnos como una plataforma para el fortalecimiento del arte danzario del país, siendo un espacio de promoción de los procesos artísticos, que desde la danza contemporánea se desarrollan en universidades e instituciones académicas. Estudiantes, provenientes de distintas áreas del conocimiento, que le han apostado a una experiencia en “movimiento”, contando con el apoyo de bienestares universitarios y colaborando en la construcción de nuevos y ágiles discursos de danza en Colombia y Latinoamérica.

En esta ocasión, el Festival como “Asunto Público” reitera su interés por la generación de nuevos cuestionamientos y discusiones frente a la danza. La base conceptual del Festival este año girará en torno a tres ejes de reflexión. En primer lugar, la danza como un asunto de urgencia; en segundo lugar, la importancia de la construcción de lo público en el encuentro que tiene lugar en la experiencia escénica y en último lugar, el tópico de las audiencias, como la relación entre obra de arte, espectadores y artistas.

En su casa, la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, el Festival nos recibe de nuevo. El 28 de Abril, a las 7 P.M., en el Aula Máxima de la UJTL se llevará a cabo el lanzamiento de las actividades de “Asunto Público 15 Festival Universitario de Danza Contemporánea”.

Deseos en masa: Entrevista con White Horse

2010-11-23T05:27:00.000-08:00

Las dinámicas de masa, los partidos de fútbol y el fanatismo religioso, son los temas que el colectivo White Horse trajo para confrontar al público en el cierre del XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea. Su obra ‘Trip’ se presentó en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán dejando muchas preguntas y reacciones en el ambiente. Sin embargo, el aporte del colectivo internacional no quedó ahí. Con el taller “Groupies” 13 bailarines colombianos se integraron en la creación de una muestra que cuestiona acerca de la muerte.
A los participantes de “Groupies” se les pidió realizar su propio ritual mortuorio y el resultado fue mostrado al atardecer en el Parque de la Independencia. Chris Leuenberger (CH) y Xavier Fontaine (FR), miembros de White Horse, nos hablaron sobre su visión de la danza en Colombia, sus influencias y, por supuesto, sobre el significado que tiene para ellos ser amateur.

¿Cómo fue la experiencia con el Taller “Groupies”?
Xavier Fontaine: Cuando llegamos decidimos ver presentaciones de los participantes en el Festival. Notamos que había mucho de lo mismo y queríamos traer la idea de masa pero estábamos un poco escépticos de que ellos quisieran algo unísono. Así que decidimos abrir un poco más el taller y tratar de que ellos trajeran sus propios procesos. Yo creo que esa es un poco la idea del Festival: preguntarle a la gente qué quiere.

Chris Leuenberger: Estoy de acuerdo con lo que dice Xavier. Les pedimos que crearan su propio ritual mortuorio. Así que la idea era hacer un ritual y trabajar con el concepto de plegarias y movimiento de masas porque estamos preparando un performance para el próximo año así que pensamos porque no compartir con otras culturas y ver qué pasaba. La idea también era usar muchas ayudas visuales sobre religión, imágenes sobre rituales de plegarias, pero al final no estábamos tan bien equipados técnicamente que decidimos tomar más de su propia experiencia y pedirles que crearan su propio ritual de muerte. La gente estaba conmovida y realmente buscó esa experiencia. Creo que en Europa la gente habría permanecido un poco más conceptual mientras que en Bogotá la gente lidió con sus propias emociones. Parece que en Bogotá la muerte está un poco más presente que en Europa.

XF: También les dijimos que nosotros no íbamos a enseñar nada, que íbamos a aprender juntos. Cada día es como un nuevo comienzo porque estamos descubriendo con los bailarines de qué se trata esto envés de venir y darles técnicas creativas o ejercicios creativos.

¿Cuál es su visión acerca del trabajo dancístico colombiano?
XF: Creo que hay una gran preocupación por la forma. Eso es lo que vi. También vi que hay un intento por olvidar que tienes un rostro, que tienes ojos. De alguna forma nosotros también trabajamos con formas; lo que el cuerpo puede hacer por sí mismo siendo llevado a cierto estado. Lo que el cuerpo puede hacer por sí mismo sin aprender una forma o un vocabulario proveniente del ballet o el jazz o lo que sea.

CL: Se trata también de tomar ciertas formas y en cómo sacudirlas internamente, en el taller trabajamos bajo ese mismo principio. Sacudir esas formas a través de la repetición, de hacerlo exhaustivo. Esas formas no requieren permanecer intactas sino transformarse.

Xavier Fontaine y Maria Mavridou / White Horse / "Trip" / Teatro Jorge Eliécer Gaitán

¿A qué se debe el interés del colectivo en el tema religioso?
CL: Hemos estado interesados por cierto tiempo en las dinámicas de masas, el fanatismo y la euforia. “Trip” fue el primer trabajo de una serie sobre masa y luego hicimos “Romance”, sobre la idea romántica del amor conectado con todo el universo, como una declaración del amor hacia la audiencia. Ahora queremos abrir el colectivo y trabajar con más gente. Trabajaremos con 8 personas, probablemente. Actualmente, somos 5. Siendo la religión un tema tan caliente ahora en Europa, tenemos curiosidad de cómo nos podemos relacionar con la religión porque creo que para mucha gente es un deseo encontrar la espiritualidad y en Europa no hay muchas personas que pertenezcan a una religión o sean creyentes. Creo que hay un deseo de creer en algo: en el amor, en la compasión, en la esperanza. Así que nos preguntábamos si podíamos tomar elementos de diferentes religiones y el más obvio y específico es la oración.

XF: También queríamos ver cómo podíamos juntar todas las religiones y crear paz, algo que usualmente no pasa, y de ese modo no estamos eligiendo religiones, diciendo que una es mejor que la otra; por el contrario queríamos ver si existía algún parecido entre ellas.

CL: No se trata de tomar la ideología de ninguna religión sino la forma física y ver qué clase de asociaciones la gente crea.

¿Por qué “Groupies”?
CL: Es algo que suena como a Group Piece (Pieza de Grupo) y queríamos hacer una pieza en grupo. Es acerca del fanatismo, el seguir una misma cosa.

Religión y violencia, dos temas espinosos para tratar en Colombia ¿Cómo se lo tomaron los participantes de “Groupies”? ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con estos temas en nuestro país?
XF: No hemos hablado tanto de religión en una forma ideológica, tal vez más desde un viaje espiritual y desde ese punto de vista ha sido muy interesante. La gente está mucho más conectada con esa visión.

CL: Lo que vi de las obras de coreógrafos y creadores colombianos es que de alguna manera siempre están conectadas con la violencia. Lo que hicimos en el taller fue más suave y un acercamiento más personal hacia ese tópico y no tan ligado con la situación social de Colombia sino en cómo prepararías tu propia muerte, qué harías momentos antes de morir; esa fue la tarea. Todos trabajaron de una forma muy sensitiva y personal.

Muestra Taller "Groupies" / Parque de la Independencia / Noviembre 2010

¿De dónde provienen sus influencias?
XF: Estoy interesado en el body art y la performatividad, así que artistas como Marina Abramovic me resultan impresionantes ya que me gustan quienes toman las decisiones más radicales. Me gusta hablar un poco acerca de los tabúes o hacer acciones que puedan incomodar. Me gusta trabajar un poco en contra de la velocidad.

CL: Me gusta trabajar con mis propios temas. Por ejemplo, hice un solo acerca de la masculinidad: sobre qué es lo que significa para mí ser un hombre de una forma estereotípica, con imágenes de hombres como son retratados en los medios. También trabajo con la repetición. Con el colectivo, usualmente tomamos temas relacionados con los medios masivos, con imágenes que vemos a diario en las noticias, de víctimas, de violencia. El amor y el romance tal y cómo son reconocidos por la mayoría. La intimidad y el cuestionarme también son importantes en mi trabajo personal. El no ser capaz de mostrar emociones en público.

¿Cómo se relacionan con la idea de ser amateur?
XF: Siempre me pregunto en qué contexto me voy a presentar y para quién. Para mí se trata de hacer mi arte como un hobby y no como un trabajo. No puedo imaginarme haciéndolo de otra forma porque sería como prostitución. Me gusta mostrar las cosas cuando estoy listo para mostrarlas. Tal vez, ser amateur es ser independiente.

CL: Para mí ser amateur es amar lo que haces y poner todo lo que tengas en ello. Divertirte y disfrutarlo, al mismo tiempo. El año pasado, luego de graduarme, quedé un poco atrapado en el sistema de presentarme ante audiencias y producir, producir y producir, sin parar y sin escuchar mis verdaderos deseos y motivaciones. Es difícil porque en la sociedad de hoy en día estás tan ocupado con diferentes actividades para poder sobrevivir. Incluso, en Bogotá notamos que muchos de los bailarines asistentes al taller están tan involucrados con tantas diferentes actividades, su ritmo es tan rápido, que es difícil para ellos conectarse con sus verdaderos deseos.

XF: El amauterismo es un proceso de ganancias, de hacerte mejor, así que no paras en algún punto. Nunca termina. No hay un límite. El amateur está además relacionado con la fragilidad.

In-dependencias: El vértigo de la nueva libertad

2010-10-29T08:53:00.000-07:00

Una chica colgada de un arnés, balanceándose sobre los muros del Teatro Jorge Eliécer Gaitán, detiene a los transeúntes de la carrera séptima. Curiosos empiezan a preguntarse si se trata de una presentación o si la joven hará parte de algún grupo de mantenimiento del Teatro. Pronto empieza a moverse de un lado a otro, abriendo sus piernas y soltando sus brazos como si en cualquier momento fuera a dejarse caer. El tumulto crece frente al Jorge Eliécer minutos previos a que empiece la función. El baile de la intrépida bailarina aérea continúa, con lentitud; manteniendo las cabezas del público fijas en el punto más alto de la edificación.

Un tema en común se ve desarrollado en las muestras de grupos universitarios de danza contemporánea: la independencia. La independencia vista como un anhelo de libertad y como el máximo deseo irrealizable. Todos los grupos han puesto importantes cuestionamientos sobre el escenario; relacionados con la celebración de 200 años de una independencia que aún desconocemos y estamos por demostrar.

Grupo: Cuerpo Latente - Institucional - Pontificia Universidad Javeriana / Directora: María Fernanda Garzón

¿Independencia de qué? ¿Para qué? Serían las dos primeras preguntas que los bailarines se hicieron. ¿Estamos aún sometidos? ¿Somos libres y autónomos? ¿Qué nos está frenando? Las piezas hicieron énfasis en el temor y desconocimiento que nos mantienen atados, en la lucha constante en busca de objetivos confusos y en las diferencias, cada vez más evidentes, que nos han separado a lo largo de la historia. Desde otro ángulo se podría hablar de nuestra condena a olvidar. Hay una sensación de desesperanza y abandono que lejos de parecer pesimista es más una crítica, un llamado a no quedarnos quietos. Ese balanceo de la anónima aficionada colgada del techo del Teatro puede ser un buen ejemplo del vértigo causado por una reciente libertad: sensación de vulnerabilidad, peligro inminente e inestabilidad.

Grupo: Cámara de Danza / Director: Jose Luís Tahua

Estos días de Festival han sido reflexivos. Las independencias, título que ha definido al evento en 2010, se han clavado en las cabezas de asistentes y participantes. Valdría la pena replantearnos las ideas de identidad, superioridad, unión y resistencia; conceptos tan manidos pero difícilmente apropiados y comprendidos

La gran fiesta de la Danza

2010-10-25T14:48:00.000-07:00

Dicen que la tercera es la vencida. El XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea no tiene ningún agüero particular con respecto a los números pero para su tercer y último fragmento ha decidido apostarlo todo. Talleres, más de 35 obras de grupos universitarios provenientes de diferentes regiones del país, colegios, academias de formación y profesionales y la culminación de una gran fiesta de la danza extendida por todo el 2010.

Amateurs provenientes de Sincelejo, Popayán, Bucaramanga, Manizales, Barranquilla y, por supuesto, de Bogotá; ya alistan detalles para subirse al escenario desde el próximo miércoles 27 de Octubre. Esta vez, la experiencia con los aficionados irá más allá de sus presentaciones: ellos tendrán la oportunidad de debatir y exponer sus puntos de vista acerca de las otras obras en el Encuentro del Grupo Amigo.

Nuestra coqueta chica de afiche se ha pintado la cara de azul para celebrar este mes de disfraces con mucha danza. El 29 de Octubre en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, el colectivo White Horse, con su obra “Trip”, será el encargado de dar paso a la celebración de cierre; la Fiesta Invisible de Disfraces y III Festival de Performance. La información completa la pueden encontrar aquí. Pero ahí no acaba todo. White Horse estará brindando el taller “Groupies”, los días 1, 2, 3, 4, 8, 10, 11 y 12 de Noviembre de 9 a.m. a 1 p.m. “Groupies” busca encontrar nuevos significados a los términos grupo, masa, cuerpo y apuntarle al trabajo de apropiación corporal y cómo traspasarlo a lenguaje coreográfico. Mayor información aquí.

No se lo pueden perder. Amateur yeah!

III Fragmento XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea
‎27, 28 y 29 de Octubre
Entrada Libre - Cupos Limitados. Reclama tus invitaciones en:
-Porteria principal y en el edificio de Postgrados de la UJTL (Cra 4 No 22 –61)
-Oficina de Danza de la OFB (Calle 39 b no. 14-55)

El zumbido de Matija Ferlin

2010-09-13T12:19:00.000-07:00

Aunque sean muchos los adjetivos que se puedan utilizar para describir el trabajo de Matija Ferlin, para él existe un elemento omnipresente y que bien puede ayudar a entenderlo. El zumbido, como él le llama, ha estado aquí y allá a lo largo de su obra; siempre evidente para él, a veces casi imperceptible para su público. Pero, ¿qué es? Ferlin define El zumbido como su forma particular de crear piezas de danza en las que la coreografía se pierde entre diversos formatos.

‘Para mí el zumbido es igual a dramaturgia. Es una forma de hacer el trabajo de dramaturgia. Siempre tiene que haber una línea oculta vibrante, ya sea formal o abstracta’, dice Ferlin. Quizás el texto rotante que es proyectado en ‘Sad Sam (revisited)’ sea un buen ejemplo de lo que es El zumbido: una constante repetición de momentos que conforman esta coreografía de palabras. Algunas de esas frases fueron escogidas para tratar de comprender mejor la forma en que este croata ve el movimiento y la complejidad de su proceso creativo.

La situación peligrosa

Ferlin se agarra firmemente de la barra metálica del bus. Es su segunda noche en Cali y se encuentra rodeado de amateurs. Un grupo de bailarines universitarios ha hecho su presentación esta noche y le ha invitado luego a tomarse un trago. Viajan todos apretujados en la buseta que zumba rumbo al centro de la ciudad.

‘Esta es una obra muy sexual’, comenta sobre su 'Sad Sam (revisited)'. Antes de que me atreva a preguntarle por qué empieza a hablarme sobre su emulación masturbatoria en el escenario. Ese zumbido que genera con un micrófono que roza de arriba abajo contra su torso simulando los movimientos propios de la práctica onanista. ‘Es una pieza sobre el corazón roto por una relación que acabó hace 7 años’, continúa. A pesar de esta confesión, para Matija Ferlin no existe mucho de su intimidad en ‘Sad Sam (revisited)’.

‘Eres muy indulgente contigo mismo cuando te utilizas como fuente. Nunca expongo mucho de mi mismo en mis obras’, reconoce. Para él las verdaderas situaciones de peligro se encuentran en que el suyo no es un trabajo fácil de ver. La autoexposición y la vulnerabilidad no son temas que realmente preocupen a Ferlin en la creación artística, por el contrario, cree que existen zonas seguras y zonas de peligro que reconoce fácilmente. El par de líneas rojizas que el micrófono deja sobre su pecho luego de frotarlo por varios minutos pueden dibujar el límite entre esas zonas seguras y de peligro.

‘Puedo decir que esta obra, sin ninguna intención, tiene un efecto terapéutico. Me acerco al peligro para lograr sanar’.

Cuento historias acerca de lo opuesto

Las frases que se proyectan sobre el fondo del escenario, mientras Matija realiza giros sobre el linóleo, no fueron escritas por él; fueron producto de cartas y postales entregadas a la bailarina chilena Katalina Mella, colaboradora de Ferlin, quien decidió devolverlas en forma de títulos. Esta relación entre imágenes y palabras representa una especie de balanza para Ferlin en la que la audiencia pone el peso del lado que más desee. Existe una yuxtaposición que para el croata está relacionada con lo conocido y lo desconocido, con lo deconstruido y con preguntas y respuestas.

‘Es una pieza que es cuestionable en todo momento. Simplemente hago que la audiencia utilice esos opuestos’, comenta.

Fotografía: Santiago Sepúlveda

Intenté lamer tus ofensas

Un clásico de corazones rotos suena en la voz de Dionne Warwick. Matija empieza a corear la letra, de pie, quieto, en mitad del escenario. Su expresión es sentida, casi dolorosa, y uno que otro espectador empieza a cantar a la par. La voz de Warwick en ‘Walk on by’ sumada a la de Ferlin, las frases que se proyectan imparables y los parlantes que emiten sonidos nocturnos al fondo; más allá de evitar un sentimiento de desolación, lo intensifican.

Ferlin se ha bajado del bus hace apenas unos minutos y camina ahora por el centro de Cali, en compañía aún del grupo colombiano de amateurs. No ha podido evitar el deseo de encender un cigarrillo. ‘Tienes que hacerte cargo de tus necesidades’, me diría días después, ‘Eso para mí es la pasión: hacerte cargo de tus urgencias’.

Es posible cometer un error

Si hay algo más importante que la presencia de El zumbido en el trabajo de Ferlin ese algo tendría que ser el error. ‘El error es grandioso. Es fantástico. Los errores son progreso’, dice. La importancia que reviste al error, según el croata, radica en que el público tiene la oportunidad de percibirlo de forma diferente, no como un fracaso. El nuevo virtuosismo, la deseducación y una particular percepción sobre lo correcto/incorrecto se conectan directamente con esta visión del error: un conjunto de leyes que clasifican nuestras acciones.

La acción del deber

En croata, la palabra obred significa ritual. La connotación cultural y religiosa de este término molesta a Matija, a pesar de que considera que en todo lo que hace hay una esencia ritualística. Visto como ese laboratorio interno, impronunciado; los rituales en las piezas de Matija pueden llegar a ser billones: pequeños y puestos como ingredientes que se pierden en una gran mezcla.

‘Los rituales requieren cierta dedicación y la dedicación lleva a la disciplina’, comenta.

Sentí que era más grande que tú

Los ojos de Matija se fijan en cada uno de los asistentes a ‘Sad Sam (revisited)’. No importa en que punto del auditorio se encuentren, su mirada los busca y se detiene por varios segundos. Ya no importan los sonidos nocturnos que salen de los parlantes o los títulos proyectados en la pantalla: Ferlin ha provocado un sentimiento de desolación que vence la distancia con su público.

Hay una proximidad espacial que Matija Ferlin considera necesaria para esta pieza y es por ello que los escenarios pequeños han sido una constante en los 17 países en los que ha sido presentada ‘Sad Sam (revisited)’. Sin embargo, la cercanía con el público no es la única forma en que Ferlin se relaciona con el espacio: hay una distancia en tiempo que muestra su recorrido desde 2004 a 2010. El interés de Matija no es traer vivo aquel recuerdo del corazón roto que dio luz a esta obra; es mostrarse desde el presente, en el punto exacto en que se encuentre. Esa posibilidad de ‘ver los toros desde la barda’ para Matija va de la mano con las reglas coreográficas y con la puesta en escena.

‘Son instrucciones que pueden ser dadas al performer. Además de ser coreógrafo soy diseñador gráfico y el diseño requiere ser claro, funcional’, agrega. Movimientos vistos desde arriba y el deseo de algo muy estructurado y limpio, fueron el resultado del impacto del diseño gráfico en esta obra.

‘Danza para la cámara’ + ‘Perspectivas’: imagen, movimiento y emociones

2010-09-01T08:49:00.000-07:00

La relación entre la cámara y el movimiento es tan sólo un paso en el rompimiento de fronteras entre disciplinas. Cuando el vídeo y la fotografía buscan ese contacto con un sujeto u objeto, más allá de registrar situaciones particulares, se posibilita un traspaso de emociones e intimidad.

Soraya Vargas, directora de la Fundación Imagen en Movimiento, cuenta que ese matrimonio entre cámara y movimiento es casi tan indisoluble como la relación espacio-tiempo y que puede ser aprovechado tanto por realizadores como por sujetos en acción. En videodanza, tema discutido en su taller ‘Danza para la cámara’, la relación se torna recíproca y todos los elementos del entorno pasan a constituir conceptos más complejos.

'El movimiento no sólo es expresado desde el bailarín sino también desde la cámara. Cuando se empiezan a incluir nuevas tecnologías, como las multimedia, las posibilidades de generar movimiento son incontables: desde el que realiza el sujeto hasta el que podemos incluir luego en un proceso de edición’, explica Vargas.

Otra de las preocupaciones de Vargas ha sido la posibilidad de acceder a información audiovisual sobre danza en Colombia y la practica inexistencia de material disponible para la investigación en este campo. Es por ello que desde la Fundación Imagen en Movimiento los tópicos de memoria y movimiento y la posibilidad de creación de un archivo de danza y teatro son importantes.

Por otro lado, el mayor punto de interés para Santiago Sepúlveda, fotógrafo y diseñador, consiste en determinar de qué maneras se realizan los acercamientos del realizador hacia sus objetivos. Para él, tomar la decisión de dicho acercamiento influirá de forma determinante en el resultado que se obtenga.

‘Se puede tomar la decisión de acercarse de forma anónima o simplemente abordar al personaje de forma directa. Lo importante es generar duda con respecto a las situaciones frente a la cámara y aprovechar esos momentos de tensión que se producen cuando alguien sabe que tiene una cámara enfrente’, sostiene.

Sepúlveda se refiere además, durante el taller de fotografía ‘Perspectivas’, a una composición que incluya elementos simbólicos, elementos que sean capaces de comunicar algo no necesariamente entendible. Asegura que, en el caso de la danza, es muy posible que entonces se obtengan imágenes que no captan técnicas o movimientos sino sentimientos.

Estudiantes y docentes universitarios tuvieron en cuenta estas observaciones para la realización de cortos experimentos que involucraban fotografía, video y movimiento, utilizando como inspiración los alrededores de la Pontificia Universidad Javeriana de Cali.

DANZA PARA LA CÁMARA
Taller por Soraya Vargas - Fundación Imagen en Movimiento
PERSPECTIVAS
Taller de Fotografía de Danza por Santiago Sepúlveda

"Walk + Talk" - Un discurso en movimiento

2010-08-31T19:07:00.000-07:00

Carlos María Romero, Matija Ferlin y Andrés Cárdenas estuvieron a cargo de llevar a cabo “Walk + Talk” una conferencia / performance que combina el movimiento con el lenguaje. Los participantes entrelazan acciones y palabras en este formato de Phillip Gehmacher en el que se busca reflexionar sobre el hecho de hablar y caminar como un método performático.

Hacer aún más explícitos nuestros movimientos a través de la palabra y viceversa, parece ser la intención de “Walk + Talk”. Aunque puede interpretarse como que los participantes harán aquello que les plazca, en algún momento el juego se torna complejo y empieza arrojar preguntas sobre nuestra visibilidad y qué tan alejada está nuestra habla del movimiento y el pensamiento.

En el 2010 por primera vez Phillipp Gehmacher permite que este formato sea utilizado por coreógrafos/bailarines colombianos especialmente para el Festival Universitario de Danza Contemporánea. En esta oportunidad, además, el público también walkie-talkeó, llevando sus cuerpos y palabras a otro nivel, experimentando con los elementos que tenían a la mano y por qué no, liberándose un poco.

WALK + TALK
Performance/Conferencia – formato curado por Philipp Gehmacher (AU)
Realizado por Carlos Maria, Andrés Cárdenas y Matija Ferlin

Conversatorio ‘El Privilegio de Ser Amateur: Movimiento Universitario de Danza Contemporánea’

2010-08-31T08:26:00.000-07:00

¿Por qué ser amateur es un privilegio?

El tema del amateurismo ha sido varias veces discutido en este blog. Ese término, encerrado entre signos de interrogación en nuestro afiche promocional, es más que un cuestionamiento: es una invitación. Carlos María Romero, director artístico del XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea, considera que esa calidad de amateur es privilegiada y que merece ser valorada tanto por quienes ostentan el título como por quienes siguen de cerca este movimiento.

¿Por qué? ¿Por qué ser amateur es un privilegio? Carlos María Romero lo explica de forma sencilla a los estudiantes asistentes al Conversatorio ‘El Privilegio de Ser Amateur: Movimiento Universitario de Danza Contemporánea’, realizado en el marco del Simposio ‘Libertad y Autonomía’ en Cali.

‘Creo que los amateurs, los estudiantes que hacen danza se encuentran en situaciones de privilegio. Los amateurs cuentan con espacios idóneos para ensayos y presentaciones, pueden proponer ideas sobre danza y al mismo tiempo hacer parte de un movimiento que no es sólo artístico sino social’, indica.

Fotografía: Santiago Sepúlveda

El hacer arte por el placer que ello produce sin ningún interés de retribución económica o profesionalización es para María Romero un acto subversivo. ‘Es un acto que tiene implicaciones políticas y económicas’, señala. ‘El tipo de comunidad que somos es una comunidad interdisciplinaria y de seres con experiencias únicas. Como movimiento, eso no lo podemos olvidar: el movimiento universitario necesita crecer, ser complejo y solidificarse’.

Las experiencias de los estudiantes, según la curaduría del XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea, deben servir de aporte a la construcción de la danza en Colombia. Visto además como un espacio fructífero para la realización personal, las percepciones de cada uno de los estudiantes acerca de la danza, desde sus disciplinas, tienen un valor incalculable e implican una gran transformación social.

‘El intercambio de ideas de forma multidireccional y el aplicar los conocimientos propios de cada carrera que cursan hace que la danza se nutra y que los mismos amateurs se conviertan en gestores de cambio, en ciudadanos distintos. Hay que celebrar el hecho de que se haga danza en la universidad y aprender a valorar el proceso en sí, más allá de si somos bailarines o no’.

Simposio “Libertad y Autonomía”
Experiencias Múltiples de Aprendizaje para Formadores e Interesados
EL PRIVILEGIO DE SER AMATEUR: Movimiento Universitario de Danza Contemporánea
Presentación de la Curaduria de FUDC y Conversatorio con Actores Locales.
Carlos Maria Romero / Dirección artística FUDC

‘Manual para la Honestidad (La performatividad de la normalidad)’

2010-08-30T13:51:00.000-07:00

Virtuosismo y deseducación: ¿correcto o incorrecto?

¿Cómo podríamos definir el nuevo virtuosismo? Es el cuestionamiento que Matija Ferlin nos hace en su Manual para la Honestidad (La performatividad de la normalidad), taller/sesión realizado como parte del Simposio ‘Libertad y Autonomía’ en el marco del XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea. Esta pregunta, lanzada a amateurs, profesionales y académicos asistentes, busca no sólo re-definir aquello considerado hermoso y correcto: también propone la deseducación y la remodificación del sistema del cuerpo.

Para Ferlin, coreógrafo y bailarín profesional, la capacidad de memoria de los bailarines es, al tiempo, fortaleza y defecto; un cúmulo de movimientos aprendidos que los hacen parecer ‘profesionales’ pero que al mismo tiempo limitan la percepción de esa diferencia entre el ‘movimiento danzado’ y el movimiento puro.

‘Mi interés era empujar el virtuosismo privado de cada bailarín’, dice refiriéndose a su proyecto ‘Nastup/Onformance’, con el cual buscaba que bailarines profesionales pusieran en escena una obra compuesta por movimientos no-educados. Ferlin comenta cómo, a través de dos métodos, podría lograr que, tanto el público como sus bailarines, perdieran esos referentes visuales que conforman el virtuosismo de la danza. El primero de los métodos lo define como un filtro: ¿soy capaz de percibir un movimiento danzado? ¿Hasta donde soy capaz de modificar el código y sistema de mi cuerpo? Ferlin explica que inevitablemente en bailarines profesionales los ‘movimientos aprendidos’ terminaban apoderándose de sus comportamientos diarios.

‘En las compañías muy profesionales incluso te enseñan cómo caminar’, cuenta. Esto nos lleva directamente a su segundo método: la composición de movimientos no-educados. ¿Qué tanta fuerza ejerce la técnica sobre nuestros movimientos y hasta dónde puede el bailarín abandonar los hábitos creados por la misma?

‘Cuando te brindan instrucciones verbales no existe una referencia visual clara’ -comenta- ‘Lo realizas de la manera en que consideras que es mejor para ti. Si te digo: Levanta la pierna, ¿cómo levantas la pierna sin saber cómo debes hacerlo? Lo que buscaba era ir hacia una forma dañina e incluso desconocida del movimiento, donde no hay correcto o incorrecto y se desarrolla un sistema de honestidad, desde un punto de deseducación’, puntualiza.

Al final del entrenamiento Matija admite que él y su grupo de bailarines profesionales se veían como un montón de amateurs. Los comentarios del estreno de la obra no se hicieron esperar: para muchos el espectáculo era ‘bonito’ pero ellos -los bailarines- no se veían muy bien. Esto desencadenó otra serie de preguntas: ¿Cuánto de esas formas y movimientos codificados se requiere para que algo sea considerado como bueno? ¿Por qué la forma hacía incapaces a estos bailarines profesionales y reconocidos de lograr el nivel de percepción necesario para que los espectadores los consideraran valiosos?

Para los asistentes al taller también existía, además, otra preocupación: ¿existe realmente movimiento puro en el proyecto de Ferlin? Ferlin responde indicando su discusión entorno al movimiento puro. ‘A la danza la trato como el último recurso. Sólo la uso cuando es necesaria. Es el último lugar a donde vas’ -explica- ‘Por ejemplo: si quiero hablar de una botella utilizo todos los medios para hablar sobre una botella y el último que utilizaría sería la danza. El movimiento en este trabajo no era el último recurso, sino el principal ya que no existía dramaturgia, o relaciones espacio-tiempo. Era un alivio de cualquier tipo de significado’.

Otro detalle que Ferlin considera importante era ‘darle la oportunidad al bailarín de restaurarse, de ir a cero e ir a la siguiente coreografía sin la huella de la anterior‘ y al mismo tiempo que la audiencia pudiera valorar que la carga física contenida en esta obra era grande. Para ello dividió la obra en 12 coreografías, ambientadas con 12 canciones, realizando 2 minutos de pausa entre cada acto.

‘No es fácil para un espectador esperar cuando no hay nadie en el escenario: por 24 minutos esperaban que la siguiente parte de la obra empezara’.

Finalmente el público asistente a ‘Nastup/Onformance’ tuvo la oportunidad de retroalimentar la obra, lo que para el grupo de bailarines era lo más cercano a entrar a ese nivel cero y poder percibir mejor el trabajo.

‘Todo esto requiere de un extra-esfuerzo para permitirnos hacer movimientos de forma no-educada. Está relacionado con el movimiento puro. No hay movimiento que tenga mayor valor que otro, todo es tomado como movimiento. La intencionalidad no es la representación o el significado’, resume Ferlin.

Simposio “Libertad y Autonomía”
Experiencias Múltiples de Aprendizaje para Formadores e Interesados
MANUAL PARA LA HONESTIDAD (LA PERFORMATIVIDAD DE LA NORMALIDAD)
Sesión/ Taller por Matija Ferlin (CRO)

Danza en la capital de la salsa

2010-08-11T13:19:00.000-07:00

En un tono fucsia y haciéndole un guiño a la capital del Valle del Cauca, el afiche promocional del segundo fragmento del XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea es la bienvenida a las independencias. Independizarnos de los espacios y vencer la barrera del tiempo es la propuesta y nada mejor para demostrarlo que utilizando distintas ciudades como sedes y esparciendo las fechas a lo largo de este año.

Los días 30 y 31 de agosto y el 1 de septiembre, tanto caleños como visitantes podrán asistir a los variados eventos que tiene programado el Festival. La Pontificia Universidad Javeriana de Cali abrió sus puertas a la danza, consciente de esa íntima relación que desde siempre ha tenido la capital de la salsa con la cultura y las artes escénicas, y recibirá a profesionales y amateurs interesados en el intercambio de experiencias.

La programación incluye muestras de grupos universitarios y la realización del Simposio ‘Libertad y Autonomía’, espacio en el que se discutirán las múltiples experiencias de aprendizaje y nuevas propuestas entorno a la danza. Como cierre del Festival, el croata Matija Ferlin presentará su pieza ‘Sad Sam (revisited)’, descrita como 'una evocación autoagresiva del deseo por el otro'.

Así se viene este segundo fragmento: con un guiño coqueto a lo independiente y una invitación descarada a la exposición de ideas frescas.

II Fragmento del Festival Universitario de Danza Contemporánea
Fechas: 30, 31 de agosto y 1 de septiembre de 2010

“Muestra de Grupos Universitarios de Danza Contemporánea e Invitados”
Lunes 30 de Agosto, 7 p.m.
Auditorio Alfonso Borrero Caval SJ
Pontificia Universidad Javeriana de Cali

“Muestra de Grupos Universitarios de Danza Contemporánea e Invitados”
Martes 31 de Agosto, 7 p.m.
Auditorio Alfonso Borrero Caval SJ
Pontificia Universidad Javeriana de Cali

“Sad Sam (revisited)” de Matija Ferlin (CRO)
Miércoles 1 de Septiembre 7 p.m.
Auditorio Alfonso Borrero Caval SJ
Pontificia Universidad Javeriana de Cali

Simposio “Libertad y Autonomía” Experiencias Múltiples de Aprendizaje
Agosto 30 y 31 – Septiembre 1, Programación de 9 a.m. a 5:30 p.m.
Sala de Expresión Corporal, Ed. Medio Universitario, Piso 1, Pontificia Universidad Javeriana de Cali

‘Real / Irreal ¿Hay espacio para la ficción?' - Fragmentos y resonancias

2010-08-04T17:46:00.000-07:00

Derribar barreras es siempre un reto para cualquier artista. Las físicas, las mentales, las de tiempo y espacio. Parece que hay un enfrentamiento constante que obliga al artista a quebrarse cada vez. Para Víctor Viviescas, dramaturgo y director de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional, las barreras son observadas desde ese evidente encuentro de opuestos. Ficción versus realidad. Fragmentación versus multiplicidad.

Sentados frente a un libro, cualquier libro, podemos tomar unas tijeras y empezar a cortar pedazos de sus páginas. Frases al azar, ese azar que Viviescas nos invita a convocar en el proceso creativo, saldrán en nuestros recortes. El poder armar una totalidad a partir de ellos y conectarlos con nuestra experiencia es el ejemplo que Viviescas nos hace de fragmentación. Pero, ¿qué tiene todo esto que ver con la danza?

El ejercicio del que hicieron parte los asistentes al Taller ‘Real/Irreal ¿Hay espacio para la ficción?’, realizado en el marco del primer fragmento del XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea, consistió en tomar pedazos del libro ‘Historia del Fin del Mundo’ y leerlos en voz alta. Las reflexiones resultantes de dicha lectura nos llevarían a comprender hasta dónde se construye la ficción. De acuerdo a Viviescas ‘toda palabra es el eco de alguien’ y esta resonancia del pasado nos va formando, definiendo e incluso orientando. ‘Hay que renunciar a tenerlo todo’, explica, ‘Renunciar a las historias totales, que nos alejan de lo real. La totalidad es ficción’.

El hacer evidente esos miles de fragmentos que nos constituyen y llevar nuestro cuerpo y mente hasta el límite puede ser el sentido del trabajo artístico. Armarnos a partir de nuestras memorias, resonancias y arquetipos y ‘pensar en mosaico’, según asegura Viviescas, es esencial para la conformación de un pensamiento más humano y eso, en definitiva, es la esencia del artista.

Acerca de Cali

Esto de la fragmentación va muy de la mano con la intención del Festival Universitario de Danza Contemporánea en su versión XIV. Este año se ha roto esa barrera de espacio y tiempo, y tanto las sedes como las fechas de nuestros eventos se han dividido, en la búsqueda de un mayor contacto con el público y de esas independencias señaladas en nuestro slogan. Cali es el destino ahora y la Pontificia Universidad Javeriana el lugar que recibirá a amateurs ávidos de danza.

Générique: creación y recreación en colectivo

2010-06-08T13:52:00.000-07:00

Teatro Colón, 7:35 PM

La historia de amor entre un malabarista y el domador de un circo donde todos realizan gracias y acrobacias desnudos. Una transexual es la actriz principal, en cuya vida de infancia se inspiró el tema. Flores muertas como escenografía y un baño de miel y talco como ritual de adiós a la virginidad.

Una herramienta de creación colectiva puede parecerse a esto o a lo que usted considere. En realidad, la experiencia de Générique, una pieza del colectivo Everybody’s Toolbox, es más que un simple viaje entre los aportes más libres y descabellados: es una invitación a la construcción de piezas que se parezcan a lo que somos.

En esta ocasión, los estudiantes de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional fueron los encargados de llevar el ritmo de la sesión llevada a cabo en el Aula Máxima de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, con la participación de un público que aportó a la interpretación.

En éste llamado juego coreográfico los artistas responderán a las preguntas en una rueda de prensa realizada luego de haber sido presentada la pieza. El poder del imaginario colectivo empezaría a poner juntos los pedazos, basados en roles ejercidos por los expositores, y sería, finalmente, lo que daría forma a un simple conjunto de ideas. La posibilidad de crear y recrear y la sensación de recordar algo que nunca se vio.

El niño malabarista con evidentes dificultades móviles y el resto de cirqueros cubiertos en sudor revuelto con talco, mientras deambulan desnudos, imitando a zombies, sobre el escenario del Colón. Referencias a un joven escritor suicida y uno que otro espectador preguntándose de qué se ha perdido.

Intentos de acercamiento a Halaby

2010-04-29T19:05:00.001-07:00

Tal y como lo sospechaba no había mucha elaboración en sus movimientos. La voz de Joe Arroyo hacía zumbar un parlante mal puesto en la esquina superior de la pista de baile, al lado de un espejo que nos reflejaba a todos, sudorosos y descoordinados, debajo de una bola de luces polvorienta que casi tropezaba con nuestras cabezas. Tarek sonreía brincando al ritmo de la música y yo le seguía haciendo las palmas, cual imbécil animador, coreando tamarindo seco. En algún momento el beat cambió de rumbo hacia una impensable danza árabe. ¿Quién lo diría? Tarek me miró con picardía y algo de complicidad y empezó a menear su cintura cual bailarina del vientre. Así como se menea la mujer de Barranquilla.

Algo así debió haber sido 2005 para Tarek Halaby: un ritmo sonaba al fondo esperando que este palestino-americano sacudiera sus caderas. Pero ¿Cuál ritmo? El 9 de mayo de ese año el bailarín presentó ante directores y estudiantes de PARTS, en Bruselas, lo que sería su proyecto: “Un intento por entender mi disposición socio-política en relación con el conflicto Palestino-Israelí a través de investigación artística en identidad personal. Parte Uno”. ‘Una de las cosas más fuertes que he hecho en mi vida’, así lo describe. Tras exponer cómo varios meses de talleres de danza le habían servido para no lograr su principal propósito, que era bailar, Tarek imitaba una danza árabe para cerrar la pieza. ‘No tenías que bailar’, le dijo alguno de sus mentores. De aquello ya era consciente.

Varias modificaciones sufrió “Un intento” antes de llegar al público. Para empezar el bailecito árabe del final desapareció y Tarek asumió por completo la figura del fracaso. El fracaso de la técnica, de sí mismo, de aquello que consideraba danza. En una tarde de ensayos Jan Ritsema, su maestro en Bélgica, se le acercó y le preguntó qué había estado haciendo. Un no sé fue la respuesta. Ante esta realidad Tarek sólo pudo narrar a Ritsema la historia de aquel fracaso, de cómo habría querido armar una pieza en cuyos movimientos reflejara su visión acerca del conflicto palestino-israelí, acerca de su confusa identidad palestino-americana y la de sus antepasados. Le habló sobre su falta de claridad, de decisión y de conexión con respecto a este tema que recién despertaba su interés y de la frustración producida por todo ello. ‘Debimos haber grabado esta conversación’, dijo al final Ritsema, ‘Aquí está tu obra’.

Trabajar con texto no era nada inusual para Halaby, acostumbrado a dicha labor desde muy temprano, pero hacer una obra de danza basada en sólo escritura era otra cosa. ‘Fue algo complicado pero no fue confrontante’, explica refiriéndose al hecho de tener que hacer danza sin bailar y a la expectativa –suya y de muchos- hacia su ‘misión’ como bailarín y ex coreógrafo. Lo miro moverse frente a su reflejo en el espejo de la disco, disfrutando al máximo de la música, y creo que en verdad no fue una gran confrontación: Tarek celebra cada error y decepción en “Un intento”.

Halaby admite haber desarrollado un personaje a partir de la creación e interpretación de su obra. Uno muy parecido a su concepción de sí mismo. Una especie de desvalido, dulce y sencillo, que busca refugio y comprensión en un público incapaz de darle la espalda. La reacción generalizada, en los escenarios alrededor del mundo en que esta pieza ha tenido espacio, ha sido de identificación con esa frágil figura. Sin embargo, en 2007, una estambulita no encontró otra salida que lanzar un zapato a Tarek. ‘Fallaste’, dijo el bailarín luego de esquivar el zapatazo y la señora turca lanzó su segundo zapato en ‘un intento’ por demostrar su furia ante una marcha en la que Tarek hacía participar a los asistentes, asemejando un retén militar israelí. Falló de nuevo. Los bogotanos también tuvieron su cuota de escándalo cuando al final de la presentación de la pieza, hace una semana en el XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea, un hombre se puso de pie, acompañado por su hija de 5 años, y se aventuró a lanzar varias frases en un tono fuerte. ‘¡Palestina está en Colombia!’, gritó, visiblemente molesto por los señalamientos de falta de compromiso y de interés hacia el conflicto que Tarek vierte sobre el público como parte de su obra. ‘Si nos importa, Tarek. ¡Palestina está en Colombia!’, repitió el indignado hombre.

Confesiones en la pista de baile

Esa misma falta de identificación con la causa palestina que Tarek lanza con algo de humor a su público se devuelve como un bumerán cuando le pregunto acerca de su conocimiento de la situación colombiana. ‘No sé mucho. Sólo sé que existen grupos de milicia y que hay un conflicto’, contesta sin sentirse avergonzado. ‘Creo que me alivia un poco que haya gente que tampoco se sienta conectada con lo que digo sobre Palestina’, continúa, igual de impasible e inofensivo.

La carencia de conexión, la desesperanza y el sentimiento de que nada va a cambiar lo avocaron a trabajar en la continuación de su proyecto. ‘Actually, I am someone’, evolución de ‘Finally, I am no one’, son visiones contrapuestas del mismo escenario: la primera, un monólogo sobre el olvido y la falta de identidad, y la segunda, un foto-proyecto que dice aquí estoy, aquí estamos. Cientos de fotografías de palestinos en ocupación fueron la respuesta al sentimiento de aislamiento y desesperación provocado por la primera fase del proceso. ‘Era ese sentimiento físico de no existir’, relata Tarek, quien viajó por las autopistas de Israel en busca de esos rostros detrás de las murallas. ‘Tuve un fotógrafo acompañándome por una semana. Me enseñó cómo manejar la cámara y se fue’, recuerda con gracia. Muchos se rehusaron a acompañarlo debido al tenso ambiente de la zona. El verse como un israelí, gracias a su mezcla de razas, le permitió a Tarek interpretar los roles que debía en la obtención de las fotografías. ‘Nadie se cuestionó mi apariencia ni el hecho de que estuviera allá. Eso facilitó mi trabajo’, cuenta.

El ritmo en la disco ha pasado a un rápido merengue que Tarek baila desprevenido como si se tratara de cualquier reggaetón. Me siento cómodo a su lado: no hay pasos que seguir ni una coreografía señalada. No es necesaria entonces mi confesión de no-bailarín, de decirle que en realidad no muevo ni la pepa del ojo y que lo único que hago es imitar los movimientos de otros que pienso que son cool. En la disco se ve como cualquier otro, como un colombiano. ‘Te pareces mucho a mi primo’, me había dicho horas antes. Supongo que después de todo tenemos mucho en común.

Sacudido por la respuesta del público colombiano, incluyendo la del beligerante hombre con su pequeña hija, Tarek se confiesa amante de nuestros jugos de fruta e incipiente hispano-parlante. Habla muy poco el español y hace uso arbitrario de la palabra ‘papacito’ como un gran bromista. Lo sabe, lo admite: no ha venido a salvar el mundo. Su única intención es provocar sin ser muy claro, sin decidirse por completo y estando en medio y debajo. Se confiesa ambiguo, en exceso intuitivo y para nada insistente. Baila como si no hubiera un mañana y bebe una cerveza nacional que es posible que no termine.

Tarek Halaby: Desde las fronteras

2010-04-20T12:55:00.000-07:00

Imagínese una vitrina en alguna calle de Charleroi, Bélgica. Píntese a dos tipos bailando: sin seguir ningún compás, al ritmo de música imaginaria y pasando de movimientos árabes hasta lo que parece un taconeo de flamenco. ¿Curioso? ¿Hilarante? ¿Sin sentido? Muchos transeúntes no fueron indiferentes cuando en noviembre de 2009 Tarek Halaby y un amplio grupo de bailarines se tomaron los mostradores de Charleroi, en el marco de La Biennale Charleroi/Danses 2009, para bailar tanto como podían.

El trabajo de Tarek Halaby ha intentado llamar la atención de un público ávido de propuestas divertidas, atrayentes, pero reflexivas. Su base, siendo de origen palestino, ha sido el conflicto palestino-israelí y desde él han surgido las propuestas que alimentan gran parte de su historia performática. Ya sea confrontando a la audiencia con flashes o con su voz a través de un megáfono, en Un intento por entender mi disposición socio-política en relación con el conflicto Palestino-Israelí a través de investigación artística en identidad personal. Parte Uno, Halaby no nos deja escapatoria: sometidos todos por una ironía y sencillez que aniquilan y desmantelan, al tiempo.

Y es precisamente con esta obra con la cual hará presencia en el XIV Festival Universitario de Danza Contemporánea. Nada más conveniente. Un proceso investigativo en el que Tarek se asoma en las vivencias personales y colectivas de creación artística para arrojar una granada al trasfondo político y social del conflicto. ¿Le suena? Esta lengua en la mejilla nos sensibiliza o incomoda pero el gesto no pasa desapercibido. La pieza, presentada en 2005, pariría a Finally, I am no one (Finalmente, no soy nadie) un monologo sobre la causa palestina y la posición de este graduado de la Universidad de Iowa al respecto. Un foto-proyecto, en el que se rescatan los rostros de muchos palestinos que viven la ocupación israelí, fue la evolución de este Work-in-progress bautizado bajo el nombre de Actually, I am someone (De hecho, soy alguien). Las imágenes muestran a palestinos de diario usando la popular hatta palestina. Un claro señalamiento de presencia, identidad y protesta que Tarek dimensiona con rostros de narices y ojos inconfundibles que son relacionados de inmediato con un territorio del cual, según algunos, no hacen parte.

En estas muchas vidas, Tarek ha logrado no sólo manifestarse sino ahondar en su sentir y el de otros. Pasando de las compañías de baile neoyorquinas al más punzante stand-up comedy, Tarek viene a Colombia a cuestionarse, cuestionarnos, sobre todo, sobre lo que sea. Sobre nuestra realidad y la suya, nuestro conflicto y el suyo, tan cercanos pero tan lejanos, bailando incesantemente como en una ronda. ¿Cuál es mi acercamiento, entonces? ¿Cómo interpretas tu conflicto, nuestro conflicto, desde tu posición? ¿De qué le sirve a usted ponerse a llamar la atención con un megáfono? ¿Puede un accesorio de moda unirnos y/o identiticarnos? y lo más importante: ¿Realmente, he venido a salvar al mundo?

“Un intento por entender mi disposición socio-política
en relación con el conflicto Palestino-Israelí a través de
investigación artística en identidad personal. Parte Uno.” de Tarek Halaby (US-PAL-BE)
23 de abril, Auditorio Gimnasio Moderno, 7 PM - Cr 9 N. 74 – 99

Taller de Movimiento y Creación con Tarek Halaby
Miércoles 21 de Abril, 3 a 6 PM
Jueves 22 de Abril, 4 a 7 PM
Salón de Danza,
Bloque 7, Piso 7, Centro de Arte y Cultura
Universidad Jorge Tadeo Lozano

Lo teatral, lo escénico y lo performático en las prácticas sociales: ¿Cómo voy yo ahí?

2010-04-05T14:44:00.000-07:00

Patrimonio. Identidad. Arte. Movimiento. Ciudad. Desde Río de Janeiro hasta San Francisco, perdiéndome en los bares de transformistas de la Primero de Mayo, yo, el amateur, el observador, viajo al encuentro de la transversalidad, del rebasar las fronteras. Sí. Soy yo de quien hablan los conferencistas cuando se refieren al nuevo ciudadano, al que se cuestiona su ciudad y experimenta con su presencia. Las experiencias de estos hombres y mujeres, en interacción con sus localidades, barrios, municipios y grandes ciudades, me pone, nos pone, en el ojo del huracán: un huracán que transgrede esos espacios y límites que han bordeado a aquello llamado arte. Soy yo quien se hunde en un eterno vals en la ciudad, entre graffitis, carnavales y manifestaciones. Soy un city user.

Todas las tardes, con cierta religiosidad, camino de mi casa hasta el gimnasio. Me he hecho aficionado no sólo al ejercicio en el gym sino al que realizo con cada caminata: algo más que físico, mental. Me voy fijando en cada una de las personas que se me atraviesan, las que me miran, las que no, las que parecen ocupadas, las que hablan por celular, alguno que otro emo y en todo lo que alcanzo a enfocar, en realidad. Este ejercicio me mantiene avispa y me ayuda a monitorear mis alrededores. A paso rápido voy, sin parar, como en un vals, pienso. Reconozco que en este mi andar, en el de todos, hay algo que construye y destruye, que transmite y habilita, puentes, terrenos.

Y a esto llego cuando cito a Felipe García: ‘La ciudad requiere de otras formas de ser’ y esas otras formas pueden estar representadas en el poder percibirla de manera distinta, alcanzarla, dimensionarla e incluso andarla a un ritmo distinto. La percepción de García, viendo a la ciudad como un circo, nos sitúa en la Bogotá de Mockus, con un hambre cultural sin precedentes y cargada como un cañón de la no-violencia. Ya sea caminando por encima de la cebra o andando en bicicleta por la cicloruta, el latigazo de la cultura ciudadana me golpeó, nos golpeó, con fuerza: cambió para siempre la interrelación bogotana y reedificó el lenguaje urbano. De estas transformaciones no sólo soy, somos, testigos. Más que eso: somos artífices.

La Primero de Mayo, donde todos los fines de semana la rumba toma otra cara, es uno de los infinitos puntos latentes de transformación y reflexión del arte. Donde me pongo el vestido de luces para interpretar a Paloma San Basilio y salir volando hacia las estrellas: aquí también se ritualiza el transformismo, se mastica y se digiere, cual alpiste, y se le regala al público una tercera canción de despecho. ‘No es sólo lo estético, sino lo interior’, dice Charlotte Callejas, A.K.A. Carlos, transformista por gusto, refiriéndose al cambio que sufre su apariencia y su mente al prepararse para un show. Aunque bien podría estar hablando de cualquier otra performancia. Alguna vez alguien me habló sobre un emblemático sitio de rumba gay, llamado Calles de San Francisco. De sexo en vivo y ‘verdaderos shows transformistas’; me hablaban mis amigos mayores, de una rumba anónima, por allá a inicios de los noventa, cuando el trasvestismo, era –¿o es?- un tema no muy discutido. Sin embargo Hunza Vargas pone los tacones sobre la mesa, zapateando fuertemente sobre la psicología de los infames y misteriosos personajes conocidos como transformistas y tocando su andrógino cuerpo cubierto de lentejuelas. Yo también he tenido ese postizo pestañeo: ceñido sobre mis párpados, matizando, amenizando, coqueteando y cautivando, y he sentido, además, las miradas escudriñadoras, curiosas, de reproche, del que no quiere entender.

Desde Calles de San Francisco hasta… ¿las calles de San Francisco? En las calles de San Francisco, California, se respira un ambiente de innovación y transgresión que Angela Mattox quiere capturar. El Yerbabuena Center for the Arts, lugar donde trabaja esta mujer, se ha convertido en el promotor de un ambiente revolucionario que busca romper las barreras entre las disciplinas y apoyar nuevas formas de arte. La experimentación, la innovación y los nuevos formatos son el plato favorito del Yerbabuena: instalaciones que cuentan con salas de proyección y galerías esperan impacientes a artistas, tanto locales como foráneos, con miradas alternativas.

Andando por Chapinero un hombre se me acerca y con acento campesino me empieza a contar su historia. Que es desplazado. Que está con su familia en las calles. Que no tienen qué comer. No le digo nada y afanado saco la primera moneda que se me atraviesa en el bolsillo. No me detengo a pensarlo. No me interesa saber más. Para Eloisa Jaramillo, no obstante, este personaje no es anónimo. Su trabajo en investigación performativa la ha hecho detenerse, precisamente, en el andar de habitantes de la calle. ‘En los lugares reales también se construye ficción’, nos cuenta y explica como situaciones de orden social, económico y político han generado una performancia en las calles de nuestro país que ella se ha dedicado a estudiar de cerca. Las nomenclaturas y los mapas de las ciudades son distintos para estas personas, ahora lo entiendo, y su interacción con el entorno requiere de habilidades únicas, talvez inconscientes, a veces cercanas a la representación. Me volteo a ver al campesino: no hay tal.

Viajando por algunos municipios del sur del departamento del Magdalena pude ver una Colombia mucho más real aunque macondiana. En Sábanas de San Ángel, donde permanecí por más de un mes trabajando, me contaban acerca del conflicto entre paras, guerrillas y ejercito por el control de la zona y como, ahora, el nivel de violencia se había reducido y unos convivían con otros en relativa armonía. ¿Cómo? La dueña de la casa donde me hospedaba, una imponente mujer conocedora de la vida de los angelinos me dijo: ‘La culpa la tienen las mujeres de Sábanas de San Ángel ¡Qué mujeres tan zorras! Los enamoraron a todos y no les dejaron de otra que hacerse amigos’. Así había sido: paras, guerrilleros y militares, matándose por años, terminaron siendo hermanos, casados y con hijos de las mujeres angelinas. Creo que era astucia de lo que hablaba la matrona cuando les llamó zorras. Esto viene a mi cabeza cuando escucho a Alejo Cárdenas, contando cómo, desde otro punto de la geografía nacional, esta vez en el Magdalena Medio –el Río, no el Departamento- las mujeres han sido agentes de cambio y socialización en el conflicto. Desde la Organización Femenina Popular ellas se han hecho a un lado de la disputa por la tierra, en una zona donde la opción era combatir o huir como producto del desplazamiento. El golpe bajo de las féminas de la OFP fue certero: por medio de un ritual entregan las llaves de sus casas a quienes deciden tomarse sus predios. Esta apuesta a la no-agresividad y a un aparente sometimiento ha dado como resultado actos menos violentos y una reflexión en lo profundo de la fibra combativa del centro del país.

City users versus ciudadanos

‘Me apropio del espacio’, pienso, ‘Soy un city user’. Barranquilla ha entrado en la moda del City Marketing. Su carnaval es ahora una insignia, patrimonio inmaterial de la humanidad según la Unesco y ha sido la punta de lanza para que otras celebraciones nacionales quieran bailar al ritmo del capital simbólico. Paolo Vignolo, estudioso de esta materia, nos pone a reflexionar sobre las consecuencias y posibilidades de esta afanada carrera de patrimonización en la que Colombia se ha encaramado. ‘Se trata de vender a un territorio a través de sus bienes culturales’, esgrime y al mismo tiempo nos, me, cuestiona acerca de la utilización del patrimonio cultural. ¿Qué hacemos con él? ¿Vendemos máscaras de marimondas en los aeropuertos? ¿Armamos papayera para recibir al gringo visitante? Creo, creemos, -y estoy de acuerdo contigo, Vignolo- que hacer uso de nuestro patrimonio no es clavar nuestra bandera en una carroza y saludar al pueblo moviendo los hombros: es hacer inclusión a través de estas importantes manifestaciones y generar espacios verdaderamente colectivos, construyendo acuerdos que permitan que todos nos bailemos esta fiesta. Buena esa.

Volvamos a Bogotá…

En el Parque de las Nieves me encuentro con Francisco José de Caldas, con sus largas patillas y su carita de yo no fui.

-¿Qué haces aquí? ¿Parado así, como a punto de salir corriendo? –le pregunto

No me contesta pero hay algo tan teatral en su aspecto que hace innecesaria cualquier respuesta. Desde otra óptica del City Marketing, este Francisco José de Caldas, estático, silencioso, de bronce, con papeles arrugados en sus manos, se convierte en una seña más de la ciudad, otra pista clara de su pasado y, por supuesto, en otra forma –posiblemente eficaz- de venderla. Ya me he puesto los audífonos y me enrumbo hacia La Candelaria, perdiéndome entre calles empedradas y graffitis beligerantes. Llego al Chorro de Quevedo y vuelvo a preguntar: ¿Qué haces aquí? Esta vez es un cuestionamiento autodirigido que evoca la gran pregunta de Alberto Vargas: ¿cuál es el sentido del arte en el espacio público? Y más allá: ¿Somos ciudadanos o city users?

Mi viaje -¿?- termina en Río de Janeiro. Una ciudad donde lo colonial de su arquitectura se enfrenta, como en un armonioso combate de capoeira, contra lo post-moderno, lo natural y la ocupación artística en las calles. Esos espacios han resultado irresistibles para Fabio Ferreira, quien a la cabeza del Festival de Río Escena, ha hecho de esta metrópoli un soporte para el arte contemporáneo. Los subgéneros artísticos, la transversalidad cultural y las divisiones sociales son el alimento del Festival así como la búsqueda constante del encuentro entre la expresión artística, vista como un todo, con la sociedad. ‘No es un festival de teatro o de música’, explica Ferreira, ‘es un festival de asaltos lúdicos’. ¿Asaltos lúdicos? Me ha quedado sonando esta samba: la que va al ritmo que llevo, desde mi libertad y mi visión, desde el privilegio de ser un amateur.